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Es para mi un placer hacerle un hueco en este blog a mi buen amigo Mario Hernández, emprendedor, compositor entre otras muchas cosas. Gracias a que ha montado una start up de sincronización musical llamada Unpluggeddy le pedí si podía compartir algo de su conocimiento en este tipo de cuestiones, en concreto de la música para los anuncios. Y aquí tienes el resultado. Espero que te guste 🙂


El minuto de spot publicitario es tu gloria, resulta caro y es breve. Ante esta escasez de tiempo para trasladar al espectador a un determinado estado de ánimo, la música es tu mejor aliada. Aunque ten cuidado, pues puede llegar a ser más memorable la música que el propio anuncio.

Pon cualquier canción sobre una secuencia cinematográfica o publicitaria. ¡Agítalo y remuévelo! La información que la imagen y el sonido te proporcionan entre sí chocará hasta influir en la percepción de ambos mutuamente.
Al asociar un producto con una canción se transmite un estado de ánimo, una emoción. Si la música consigue engancharte, también lo hará con tu atención hacia el producto. La prestigiosa consultora Nielsen realizó un estudio demostrando la importancia de la música en la publicidad llamado I Second that Emotion: The Emotive Power of Music in Advertising, en el que sostenía que en publicidad es necesario conectar a un nivel emocional con la audiencia para transformar el lead en venta. Siendo los mejores anuncios los que tenían tanto capacidad informativa como emocional. También analizan la efectividad de recurrir a canciones populares que tu audiencia conozca, necesitando una mayor inversión pero con mayor retorno para productos que se dirigen a una buena parte de la población. La marca de coches Dacia lanzó su modelo Duster rebautizando la conocida canción de la banda Queen.

Hemos visto casos en los que se ha recurrido a hits todavía no tan populares por la población pero con potencial de terminar siéndolo al descubrirlo a la audiencia. Como por ejemplo, volviendo a las marcas de coche, en el anuncio “The Dreamers” de Honda.

La canción de Empire of the Sun logra dar vida propia al anuncio con un ritmo consistente, y un mensaje correcto. Podemos escuchar frases como “walking on a dream” o “running for the thrill of it” transmitiendo el mensaje que propone Honda de llevarte a tu destino a través de un viaje.
Lo mismo ocurre con Mad World de Michael Andrews y Gray Jules, tema original de Tears for Fears, en el spot del videojuego Gears of Wars. La música te mete de pleno en la historia en cuestión de segundos con una sensación de desolación propia de un tráiler de película.

Por otro lado, escoger una canción poco conocida ayudará al spot a resultar más fresco, auténtico y convincente. El fantástico spot “Playing with my Friends” de Ikea tiene la música como pilar para establecer un tono amigable en el anuncio, apoyada por la imagen de niños colaborando en las tareas de casa.

Descubrir música nueva con la que conectar con tu audiencia es intuitivo pero no es tarea fácil. Sin embargo, con la llegada de herramientas como Unpluggedy, una plataforma web en la que encontrar música para spots publicitarios, resulta mucho más sencillo.

La estrategia de recurrir a artistas menos conocidos con los que ligar nuestra marca puede hacer que los consumidores miren la marca desde un lado más favorable mostrándoles nuevos artistas que estrechen más esa relación a nivel emocional. Y es que diversos profesionales afirman que el 50% del éxito de un anuncio reside en utilizar la música adecuada.

Espero que os haya resultado de interés el artículo y agradecerle a José Luis el espacio, asi mismo invitaros a echarle un vistazo a mi proyecto https://unpluggedy.com/ en caso de que os interese el mundo de la sincronización de música.

email: info@unpluggedy.com

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La actual estructura del negocio de la música, se caracteriza principalmente porque por “primera vez” el artista puede comunicarse, interactuar, promocionarse y vender directamente a su audiencia, algo que los fans y seguidores ansiaban, un sueño hecho realidad y algo de vital importancia a día de hoy.

Resulta cuanto menos curioso, que este nuevo enfoque llame tanto la atención si tenemos en cuenta que antes del surgimiento de la industria de la música como tal, los artistas y músicos eran miembros activos, agitadores socio-culturales que vivían en el seno de su comunidad, nada que ver con esas super estrellas inalcanzables que se hacen un “selfie” para tener contentos a sus fans.

El mayor cambio en este nuevo modelo reside en su estructura debido a que los intermediarios han sido expulsados de la cadena de valor debido a que existen herramientas web que cumplen varias de esas funciones y a la pérdida de valor del soporte físico como mero transmisor del contenido con toda la producción, logística y comercialización que ello conlleva y así como a la comunicación horizontal y diálogo como uno de las banderas de la comunicación en esta nueva era.

El artista actualmente dispone de una amplio abanico de herramientas que le permiten desde conseguir financiación para su nuevo disco, encontrar colaboradores/músicos para sus canciones, alojar sus creaciones en plataformas de audio, video, etc. crear un perfil en redes sociales y poder distribuir sus contenidos a golpe de link, contactar con profesionales de la industria de la música, promocionar sus conciertos, vender tickets, mantener actualizados a los fans en tiempo real…

a menudo me suelo encontrar con artistas y músicos que se quejan amargamente de que ahora se lo tienen que hacer todo ellos, pero pensad que si bien es cierto que el “pastel” es menor por la exigua venta de cd´s y la crisis que azota nuestros bolsillos, ahora, en lugar de que te inviten a comer las migajas de lo que sobra de la cena, eres tú quién la organizas y decides el menú y también a quién invitas.

Piensa que la industria discográfica tradicional solo ha aflorado en torno al 5% de la música y que en el mejor de los casos y hablamos de los mejores de los casos podían acceder a un 15% de los ingresos por venta de discos como mucho, sin embargo ahora, cualquier pueda formar parte del acervo musical y recoger prácticamente íntegro el fruto de su trabajo.

Cierto es que existe una saturación de grabaciones mediocres, pero mi opinión es que uno ha de saber también promocionarse, ser diferente, se acabó la era comercial, nadie va a apostar por tí salvo tu mismo a menos que le pagues…

Con el formato físico como mero souvenir, ¿que queda? aquéllo por lo que la gente paga son experiencias, que por cierto, no son “descargables”, y aquí hay otra cuestión importante, debes pensar fuera de la caja el llamado “Thinking out the box” que tanto me gusta, rompe las reglas y haz que la gente la flipe en tus conciertos, encuentros, eventos o lo que sea que hagas pero dales a la gente una excusa para ir, piensa que promocionarse como “4 chicos que tocan” solo era novedad con The Beatles…

Vivimos tiempos donde el músico debe ser un emprendedor y una persona creativa, ¿como si no te vas a desmarcar?, ¿haciendo lo mismo desde el sofá?. Tampoco es necesario que hagas un disco cada año, artistas de renombre en EEUU o UK van más por singles, lidera un movimiento, haz que la gente quiera que sigas con tu travesía, conecta con ell@s de una forma genuina y auténtica, es la única manera, aunque la vieja industria de la música sigue, conviven ambos modelos, tienen su catálogo y de vez en cuando dan algún martillazo.