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Continuemos con las 3 cuestiones que nos faltan por abordar para establecer el marco de debate de lo que fué el pasado Rethink Music Valencia” en la sede de la Berklee en Valencia el pasado 22 de abril.

Rethink Music Valencia.

Rethink Music Valencia.

Música y marcas.

La relación entre marcas y música no es algo nuevo, no obstante si que es cierto que aumenta año a año y permite a la industria musical explorar nuevas fuentes de ingresos.

El beneficio que suelen obtener ambas partes son por parte del artista, un aumento de los ingresos, inversión en la infraestructura de la banda por parte de la marca así como productos o servicios de la firma de forma similar al trueque. Y por su lado, la marca obtiene un aumento de su notoriedad y la legitimación ante los fans de la banda.

Las marcas llevan tiempo usando canciones para potenciar sus campañas de publicidad y otros esfuerzos promocionales, sin embargo en la actualidad presenciamos una diversificación de las formas en las que artistas y marcas pueden llegar a colaborar.

Una de las tendencias notables es usar a artistas como embajadores de marca como por ejemplo: Alicia Keys para Blackberry, Beyoncé para Pepsi, Taylor Swift para Diet Coke, Justin Timberlake para Bud Light Platinum entre otros.

Si algo queda claro es que no existe una solución única y se debe realizar un minucioso análisis de los beneficios y objetivos de cada una de las partes.

Monetización.

tips

Esta palabra que todo el mundo parece tener en la punta de la lengua supone el gran reto sobretodo en la actual era digital. Veamos 3 enfoques sobre esta cuestión en un momento en el que es crucial ser creativo a la hora de diversificar fuentes de ingresos.

Videos musicales en Youtube. Contenido oficial VS Generado por el usuario.                                                                                       

Qué duda cabe de que el consumo de música está fluyendo hacia modelos web y móviles con un impresionante tráfico web protagonizado por Youtube en lo que a consumo de música se refiere, que es mayor que el tráfico generado por Spotify, Rhapsody, Grooveshark, Rdio, MOG, Deezer y eMusic1 juntos en un momento en el que cada año aumenta y mucho el consumo online de videos y de música.

1 YouTube Music: It’s Bigger Than Pandora, Spotify, Rhapsody, & Grooveshark Combined…

Monetizar los videos de Youtube no es ninguna novedad para los sellos y demás propietarios de derechos gracias al Programa de Partners de Youtube y el sistema de Content ID, lanzados ambos por el año 2007.

La historia más reciente de éxito en Youtube ha sido protagonizada por el coreano PSY y su “Gangnam Style” que le ha reportado cerca de los 8 millones de dólares en concepto de ingresos publicitarios.

Experiencias únicas.      

Los consumidores tienen a su disposición un prácticamente ilimitado abanico de opciones la hora de acceder a la música aunque muy poco diferenciadas unas de otras y que distan mucho de ofrecer una verdadera conexión con el artista. Las investigaciones realizadas indican que las distintas partes interesadas en el negocio de la música están considerando muy seriamente aumentar sus beneficios ofreciendo a los consumidores un conjunto de experiencias más atractivas especialmente a través de aplicaciones móviles de marca que permitirían al artista conectar con su público a través de conciertos en streaming exclusivos y no almacenables en la nube a “asientos reservados” para participar del proceso creativo con el artista durante la grabación o composición musical.

Simplificando el Social y Móbile Commerce.

Optimizar las estrategias de comercio electrónico especialmente a través de plataformas sociales y dispositivos móviles va a reportar evidentes ventajas en los que a aumentar los flujos de beneficios se refiere. El valor esperado del Social Commerce a nivel global se estima en $30 billions para 20152 además de que prevée que la mitad de las ventas web se realicen a través de plataformas sociales3. La clave reside en simplificar al máximo la realización de las transacciones económicas en aquéllas plataformas que más tienen enganchado al consumidor permitiendo que compren música, merchandising o tickets sin necesidad de abandonar la plataforma en la que se encuentre el usuario.

² Turning “Like” to “Buy”: Social Media Emerges as a Commerce Channel.  

³50% of Web Sales to Occur Via Social Media by 2015.

Direct to Fan (D2F)

Relación directa con los fans.

Relación directa con los fans.

Rara es la ocasión en la que no nos encontramos con propuestas en debates que apuntan a estrategias D2F. Sus defensores apuntan a la expansión del número de canales a través del cual empoderar a los creadores de contenido para conectar con los fans de forma directa e independiente. Ya sea para alojar música, videos, venta de merchandising, tickets, distribuir las canciones en los principales plataformas o crear un proyecto de crowdfunding para el nuevo trabajo, los artistas disponen de un enorme abanico de herramientas que le permiten hacerlo con un coste muy reducido y en muchos casos gratuito.

Existen ya algunos casos de éxito que son estudiados en prestigiosas escuelas de negocio como Amanda Palmer y los 1,2 millones de dólares que consiguió a través de una campaña en Kickstarter o el “In Rainbows” de Radiohead y su sistema “Paga lo que quieras”.

Debemos de ser conscientes de que aquí tampoco existe una receta mágica ni una “talla única” y que por más herramientas que tenga el artista a su alcance, sin lugar a dudas es incuestionable la ventaja con la que cuentan aquellos artistas que hayan logrado desarrollar un sólida base de fans, los contactos y expertos con los que cuente a través de su relación con un sello discográfico.

Por si te acabas de incorporar, te dejo el primer y segundo de esta trilogía sobre el Rethink Music Valencia.                                           Rethink Music Valencia. Berklee rules!           Rethink Music Valencia. Keynotes (I).

Pues hasta aquí esta serie de tres Rock&Post sobre uno de los eventos referencia en nuestro país sobre el negocio de la música, “Rethink Music Valencia”. Te espero en los próximos Posts y recuerda que tienes disponibles otros muchos que seguro que interesarán asi que te invito a que le eches un vistazo al archivo del blog.

¡Hasta la próxima!

Realizadas las presentaciones oportunas del evento en el anterior post, realizo una breve aproximación de los puntos clave que conforman el marco de debate de este encuentro.

En Rethink Music Valencia.

En Rethink Music Valencia.

El valor de la música.                                                                                                                                                                                                          Uno de los temas que habitualmente está en el candelero de todos los debates gira en torno al valor de la música en la era y entorno digital. El concepto de valor tradicionalmente es percibido como una medida del beneficio que un actor económico puede obtener en el intercambio de un producto o servicio. Desde esta perspectiva podremos percibir que los $16,5 billions de beneficios que genera la música grabada actualmente distan y mucho de los $38 billions que generaban a finales de los 90. Todo esto, en un marco en el que el consumidor de música quiere un acceso gratuito, ubicuo y multiplataforma con un coste prácticamente cero en el que además el 64% de los adolescentes afirman usar Youtube más que cualquier otro medio para escuchar música1.

Si analizamos esta cuestión desde un enfoque más profundo podemos encontrarnos que en el paradigma digital entran en juego otros valores y monedas de cambio igualmente valiosos como son tiempo, atención y datos personales en lo que a la experiencia de la música online se refiere con un consumidor que además de escuchar, interactúa con la música y en el que los consumidores más jóvenes de entre 8 y 18 años han aumentado el número de minutos pasando de 1 hora y 48 minutos diarios en 1999 a las 2 horas y 31 minutos en 20102.

Con todo esto, esta fuera de toda duda la cuestión de si la música tiene valor para el consumidor, evidentemente si, lo que debe preocuparnos es la circunstancia de que pese a que la música aporta un valor al usuario eso no implica una reciprocidad en la generación de ingresos para la industria. Una de las claves para remediar esto reside en la disposición a pagar por parte del consumidor.

Un reciente estudio de Nielsen concluye que si la industria ofreciera productos y experiencias más atractivas para los usuarios como merchandising exclusivo, ediciones limitadas o experiencias personales con el artista como un charla vía skype de 30 minutos se experimentaría un crecimiento en los ingresos anuales por parte de la industria de entre $450 millions a $2,6 billions3.

Balance entre Majors VS Independientes.

Económicamente hablando las 3 Majors (Universal, Emi y Warner) son un oligopolio y además de acaparar el 90% del mercado de la música grabada mundial controlan otros medios como la televisión, radio así como poderosos conglomerados de medios y startups musicales. Por su parte, los sellos independientes suelen verse sujetos a establecer acuerdos de distribucion con las Majors, trabas a nuevos negocios de base tecnológica dedicadas al servicio de música digital situándoles en una débil posición de cara a la negociación de derechos para poder ofrecer música desde nuevas plataformas online.

No obstante, en la pasada edición de los Grammys  los sellos y artistas independientes consiguieron por tercer año consecutivo estar presentes en el 50% de las nominaciones haciéndose con 36 de los 79 premios incluyendo Mejor Álbum en 18 géneros y el premio al Album del año para Mumford and Sons.

El hecho de que la tecnología haga posible producir a un coste menor la producción de canciones a una calidad más que aceptable, distribuirlas y venderlas online además de la inclusión en las lista Billboard de los datos de Youtube para la elaboración de las listas de éxito evidencia la revisión de qué es un éxito y de que nunca ha sido tan buen momento para ser independiente.

Copyright y licencias.

La idea de copyright fue concebida en los principios del siglo XVIII como mecanismo de control de la producción de materiales impresos, idea que aplicó para sí la industria música en sus inicios para proteger el derecho en exclusiva de los autores a copiar sus trabajos como las partituras al principio y las grabaciones de música después.

En la actual realidad de la música e Internet este modelo está más que cuestionado y se piensa más en un sistema de derechos basado en el uso más que en la copia, puesto que la copia de archivos digitales es un tarea sencilla y a causa de ello identificar, contrastar y licenciar las piezas en Internet resulta una tarea ardua y frustrante a fin de identificar los derechos de autor pertinentes.

Con el fin de poner orden a esta situación se ha constituido el GRD (Global Repertoire Database) cuya misión es proveer una única, exhaustiva y autorizada representación de la propiedad y control de los trabajos musicales nivel mundial.

El grupo de trabajo encargado del GRD es el GRD WG (Global Repertoire Database Working Group) formado en 2009 por las siguientes 14 organizaciones:

Global Repertoire Database Working Group

Global Repertoire Database Working Group

Te dejo aquí los links de las diferentes organizaciones por si quieres profundizar:

http://www.globalrepertoiredatabase.com

http://www.composeralliance.org

http://www.icmp-ciem.org

http://www.cisac.org

http://www.sonyatv.com

http://www.emimusicpub.com

http://www.umusicpub.com

http://www.warnerchappell.com

http://www.apra-amcos.com.au

http://www.gema.de

http://www.prsformusic.com

http://www.sacem.fr

http://www.stim.se

http://www.apple.com

http://www.google.com

http://www.omnifone.com

Citas

 1 Music Discovery Still Dominated by Radio, Says Nielsen Music 360 Report, Nielsen, 2012.

2 Generation M2: Media in the Lives of 8- to 18-Year-Olds         

3 Nielsen Study: Music Industry Could Add $450 Million to $2.6 Billion in Incremental Revenue With Premium Content.

En el próximo Rock&Post abordaré el resto de cuestiones: Música y marcas, monetización y direct to fan. !Hasta luego!

 

 

Ayer tuve la oportunidad de asistir al seminario que resulta de la colaboración entre Berklee, MIDEM, el Berkman Center for Internet and Society de la Universidad de Harvard y la Harvard Business School.
¡Casi náda!

www.rethinkmusicvalencia.com

La sesión tuvo lugar en el anexo sur del Palacio de la Artes Reina Sofia dentro de la Ciudad de las Artes y las Ciencias en Valencia. Oportunidad que no podía dejar escapar.

Palau de les Arts Reina Sofia, Valencia.

Palau de les Arts Reina Sofia, Valencia.

Una vez allí, en la entrada nos esperaba un desayuno y nadie en su sano juicio se iría a la sesión sin haberle pegado un bocado a los bocatitas de tortilla o jamón, fruta o algo de bollería con poca pinta de industrial regado con zumo de naranja, café, tés o infusiones.

Al entrar, la primera sorpresa, te asignan una mesa con otros asistentes sin conocerlos de nada, a mi me tocó la “David Bowie Table” y que tras un par de ponencias uno de los moderadores, Allen Bargfrede, pidió que para romper el hielo, contásemos al resto de la mesa lo más loco que hubiésemos hecho jamás, para a continuación empezar con las bases para la generación y elección de un modelo de negocio innovador en la industria de la música sustentadas en una serie de premisas adecuadamente documentadas para su posterior exposición delante de la audiencia, speakers incluidos.

En el Rethink Music Valencia.

En el Rethink Music Valencia.

Destacaré algunos datos y apuntes importantes que me han resultado interesantes de cara a hacernos una idea del estado de la cuestión.
Como marco general, inevitablemente pasa por la contínua adaptación de la industria al panorama digital siempre en constante cambio y evolución así como a los patrones diversos en lo que a consumo de música y entretenimiento respecta.
Las 3 grandes y fundamentales partidas del negocio de la música, a saber:
Música grabada.
Recoge un esperanzador crecimiento positivo de los beneficios generados de un 0,3% ($16,5 billions según el Digital Music Report de IFPI) experimentado gracias al gran crecimiento del sector de la música digital, aunque lejos quedan los $36,9 billions del año 2000.
Reflejan esta nueva situación las ventas de música digital en EEUU y en UK que superan las físicas.
Dentro de la música digital la descarga a través de tiendas acaparan el 70% de los beneficios, no obstante los servicios de streaming han aumentado un 40% los beneficios generados y como se venía observando en los países escandinavos (Noruega, Suecia…) son una fuente ingresos muy importante, aunque en otros como España, el negocio dista mucho de ser rentable, con lo que los esfuerzos por parte de plataformas como Spotify o Deezer se centra en aumentar los usuarios de pago.
Editorial
El negocio editorial ha encontrado la forma de reponerse relativamente del descenso de la generación de ingresos por derechos vía mecánica a través de la diversifación de canales y el acuerdo con partners y alianzas estratégicas en móviles, aplicaciones, servicios de streaming, películas y otros formatos vinculados al entretenimiento digital.

Música en vivo.
Como lider mundial consolidado aparece Live Nation Entertainment, formado por Live Nation y Ticketmaster, que llevan desarrollando una estrategia de integración vertical que les ha llevado a por ejemplo la adquisición de unas 100 compañias entre medianas y pequeñas dedicadas a la promoción  a lo largo del planeta.
Fruto de la buena salud que gozaba el negocio del directo durante buena parte de la primera década de los 2000, las ventas de tickets totales en EEUU aumentaron de $1,5 billions en 1999 a $4,6 billions en 2009 llevando el precio medio del ticket desde los $26 en 1996 a los $67 en 2008, pero con la crísis tuvieron que recular un poco y en 2012 el precio medio del ticket se situó en los $68,76 consiguiendo aumentar la venta de tickets un 5% respecto al año anterior.
Destacar algunas de las conclusiones a las que llegaron los aplicados chicos de Deloitte son que dentro de los shows y actuaciones más taquilleras en EEUU entre 2000 y 2009 el 40% de los 20 solistas Top tenían 60 años o más, 19% estaban en la cincuentena, 35% tenían en torno a 40 años y solo un 6% se encontraba en la treintena. Con todo esto, y habida cuenta de la dependencia del sector a unos cuantos artistas capaces de vender miles de entradas con precios de 3 dígitos, las compañías se enfrentan el reto de conseguir esta magnitud de beneficios con los nuevos shows, superestrellas y explotación del legado de artistas consagrados y de culto. Esto no quiere decir que los nuevos artistas no logren semejantes niveles de facturación, pero es probable que su tiempo activo en el centro de atención será mucho menor que los artistas en el pasado, ya que las elecciones que los consumidores hacen cuando se trata de música y entretenimiento en general siguen aumentando y la capacidad de atención se reduce.
En cuanto a festivales, el precio de la entrada sigue escalando enteros y por su parte el consumidor demanda cada vez más variedad de actividades conformando en conjunto una experiencia global. Los hay que se internacionalizan como la edición reducida en Santiago de Chile del Lollapalooza en 2011 y en Sâo Paulo. El Sónar con “Sónar On Tour” con eventos por Canadá y América y por su 20 aniversario que la liará por Reykjavik, Tokyo, Sâo Paulo, Cape Town, para acabar en Barcelona.

Sonar Festival - Image: www.sonar.es

Por otro lado la actual coyuntura económica ha obligado a echar el cierre o dejar un año en blanco a festivales como Sonicsphere UK, The Big Chill, GoGo Festival, Pride House, Kelvedon Free Music entre otros. Tambien se señala las oportunidades para festivales de pequeño y mediano formato dirigidos a un nicho específico como factor clave de diferenciación con mezclas de todo tipo de tendencias y actividades como música, cine, artes, comida, ideas, emprendedurismo…

En el próximo post terminaré de abordar las cuestiones clave en la actual industria de la música. Hasta el próximo Rock&Post!